¿Qué
es la música?
La música
es el arte de combinar los sonidos con el tiempo. El sonido teniendo en cuenta
la altura, la intensidad y el timbre. Y el tiempo con la duración.
Según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de
sonidos y silencios utilizando
los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la
intervención de complejos procesos psico-anímicos.
A principios del siglo XX surge la necesidad de racionalizar
y sistematizar la enseñanza musical que hasta entonces se reducía a adquirir
cierta habilidad instrumental o compositiva.
El movimiento de revolución y renovación pedagógica conocido
como “Escuela Nueva” da a la música el impulso definitivo. Con ella se termina
el tradicionalismo y se instauran los principios de Libertad, Actividad y
Creatividad en la Educación
A partir de los años 20 y 30 comienzan a notarse sus efectos
en la pedagogía musical, donde surgen pedagogos como Orff, Kodaly y Williens
cogiendo como punto de partida el pensamiento de Jacques Dalcroze.
Las corrientes pedagógicas-musicales del XX parten de la
idea de que la música forma parte de la realidad del niño. Así la Educación
Musical puede ser atendida en una doble vertiente: Educación para la música y
Educación a través de la música. A partir de esta última surge la integración
de la Música en la escuela, para que esté al alcance de todos y no de unos
pocos. Aquí la música pierde el carácter elitista que tenia en el siglo XIX.
Karl Orff.
Compositor alemán que elaboró un
sistema de educación musical basado en el ritmo.
Basa su metodología en la
relación ritmo-lenguaje; así, hace sentir la música antes de aprenderla: a nivel vocal,
instrumental, verbal y corporal.
Al igual que Kodály, Orff toma
los elementos del folclore de su país y de su tradición.
Sus ideas pedagógicas básicas
son:
-Dar importancia a la forma de
ser y comportamiento del niño.
-Desprecio por la teorización
excesiva.
-Insistencia en tres conceptos: palabra, música y movimiento.
Zoltan Kodaly.
Zoltan Kodály fue un
compositor, gran pedagogo, musicólogo y folclorista húngaro de gran trascendencia.
Su método parte del
principio de que “la música no se entiende como entidad abstracta (solfeo en el plan antiguo),
sino vinculada a los elementos que la producen (voz e instrumento) “
Podríamos resumir su método en
los principios siguientes:
-La música es tan necesaria
como el aire.
-Sólo lo auténticamente
artístico es valioso para los niños.
-La auténtica música folclórica debe ser la base de la expresión musical
nacional en todos los niveles de
la educación.
-Conocer los elementos de la
música a través de la práctica vocal e instrumental.
-Lograr una educación musical para todos, considerando la música en
igualdad con otras materias del currículo.
Desde el punto de vista
pedagógico, se basa en la lecto-escritura, en las sílabas rítmicas, la fononimia y el
solfeo relativo.
Edgard Williems
Edgar Willems aporta unas
profundizaciones y orientaciones más teóricas que prácticas abordando el perfil de la
música desde el punto de vista psicológico. Centra sus actividades en el juego mediante
el cual descubre ritmos interiores e investiga los planos instintivos, afectivos y
mentales del niño.
El método propone una serie de fases fundamentales que deben trabajarse
en la clase de música, cuya
duración podrá ser proximadamente entre tres cuartos y una hora:
1. Desarrollo sensorial auditivo.
2. Desarrollo del instinto rítmico.
3. Canciones elegidas pedagógicamente.
4. Desarrollo de “tempo” y del “carácter”
mediante marchas.
El valor psicológico de la música
va a primar sobre la perfección formal y aparece una educación musical con un doble
valor: como actividad en sí misma y como preparación
para la vida.
Cifras
|
Uno
|
Dos
|
Tres
|
Vida musical
|
Ritmo
|
Melodía
|
Armonía
|
Vida humana
|
Física
|
Afectiva
|
Mental
|
Metodo Suzuki
Este método está centrado en el
aprendizaje específico del violín, su lema es “aprender
escuchando”. Suzuki se basa en cuatro principios:
-El ser humano es producto del
ambiente que le rodea
-Cuanto antes, mejor; no sólo
en música, sino en todo el aprendizaje
-La repetición de la
experiencia es importante para el aprendizaje.
-Tanto los maestros como los
padres deben continuar desarrollándose para que el niño pueda encontrarse en un ambiente
cada vez más favorable para su aprendizaje y su propio desarrollo.
Información sacada de https://sites.google.com/site/pedagogiamusi/
Este método está centrado en el
aprendizaje específico del violín, su lema es “aprender
escuchando”. Suzuki se basa en cuatro principios:
-El ser humano es producto del
ambiente que le rodea
-Cuanto antes, mejor; no sólo
en música, sino en todo el aprendizaje
-La repetición de la
experiencia es importante para el aprendizaje.
-Tanto los maestros como los
padres deben continuar desarrollándose para que el niño pueda encontrarse en un ambiente
cada vez más favorable para su aprendizaje y su propio desarrollo.
Información sacada de https://sites.google.com/site/pedagogiamusi/
El
lenguaje de la música
La música tiene un
lenguaje particular, y una escritura distinta a la que nosotros conocemos. Para
ser capaces de interpretar una partitura debemos saber algunos conceptos
básicos.
PENTAGRAMA
Conjunto de 5 líneas
equidistantes con sus correspondientes 4 espacios o interlineas. Las líneas se
cuentan de abajo a arriba, al igual que los espacios.
A las líneas que añadimos
por debajo o por encima del pentagrama para indicar la posiciones de la nota se
le llaman líneas adicionales
CLAVES
Signo cuya función es
indicar la altura de las notas, asignando una determinada nota a una linea del
pentagrama que se tomara como referencia para establecer el nombre de las demás
notas.
Existen 8 claves:
-
Clave de sol
en segunda línea
-
Clave de sol
en primera línea
-
Clave de fa en
cuarta línea
-
Clave de fa en
tercera línea
-
Clave de do en
primera, segunda, tercera y cuarta línea.
NOTAS MUSICALES
Sonido determinado por una
vibración cuya frecuencia fundamental es constante. Así pues, el
término "nota musical" se emplea para hacer alusión a un sonido.
Existen 7 notas musicales: “do” “re” “mi” “fa” “sol” “la” “si”
FIGURAS MUSICALES
Signo que representa
gráficamente la duración de una determinada nota en una pieza musical.
La manera gráfica de indicar la duración relativa de una nota es
mediante la utilización del color o la forma de la cabeza de la nota, la
presencia o ausencia de la plica así
como la presencia o ausencia de corchetes.
Existen 7 figuras musicales: redonda (4 tiempos) blanca (2 tiempos)
negra (1 tiempo) corchea (1/2 tiempo) semicorchea (1/4 tiempo) fusa (1/8
tiempo) y semifusa (1/16 tiempo)
Importante el árbol de las figuras.
COMPÁS
Espacio que hay entre dos
líneas divisorias. Existen de tres tipos
-
Compás binario
(2/4)
-
Compás
ternario (3/4)
-
Compás
cuaternario (4)
El compás se extrema al
principio del pentagrama justo después de la armadura con un número
fraccionario. El numerador nos indica las partes del compás, y el denominador
la unidad de tiempo.
LÍNEAS DIVISORIAS
Signo representado por una
linea vertical que atraviesa el pentagrama separando los compases.
Existen 5 tipos de barras:
- Barra simple
- Doble barra (para cambiar el compás)
- Doble barra final
- Inicio de repetición (doble barra con los
puntitos en la parte superior e inferior de la tercera línea)
- Fin de repetición (doble barra con los
puntitos en la parte superior e inferior de la tercera línea)
ARMADURA
Conjunto de alteraciones
propias (sostenidos o bemoles) que escritas al principio del pentagrama sitúan
una frase musical en una tonalidad específica. Su función es determinar que
notas deben ser interpretadas de manera sistemática un semitono por encima o
por debajo de sus notas naturales equivalente.
-
Sostenido: Signo conocido
como alteración que afecta a la altura de una nota aumentando ésta un semitono.
Aparece representado en las partituras a tráves de este símbolo (♯).
-
Bemol: signo conocido
como alteración que afecta a la altura de una nota disminuyendo ésta un
semitono. Aparece representado en las partituras a través de este símbolo (♭)
INTERVALO
Distancia entre dos notas.
Si de las dos notas de referencia la primera es mas baja que la segunda es un
intervalo ASCENDENTE si por el contrario la primera nota es mas alta es un
intervalo DESCENTE.
Los intervalos se
denominan de manera cardinal, por ejemplo un intervalo de cuarta o de sexta.
Cuando ambas notas tienen
el mismo nombre siempre son OCTAVAS.
SIGNOS DE PROLONGACIÓN
Signos que alargan o
prolongan la duración de una figura.
- Puntillo: Punto pequeño que se coloca a la
derecha de las figuras y les añade la mitad de su valor.
- Ligadura: Línea curva que une dos notas del
mismo nombre y sonido sumando sus duraciones.
- Calderón: Semicírculo con un punto en medio
que prolonga la duración de la figura interrumpiendo momentáneamente la
medida del compás
Fundamentos de la improvisación musical
Improvisar es una expresión musical instantánea, espontanea producida por un individuo o un grupo. Esta determinada por 3 parámetros: Materiales, Objetos y Técnicas.
La improvisación puede ser llevada a acabo con libertad, o estar sujeta a normas.
En la improvisación se puede o imitar sonidos determinados, o crear e inventar modelos . Y no solo se improvisa con instrumentos musicales, también con el cuerpo o con diversos objetos. La inspiración puede estar en la música o en los sentimientos (mundo externo e interno)
La didáctica de de la improvisación es mas sencilla en edades mas infantiles, donde el alumno descubre e inventa. Al comiendo de la primaria el niño puede empezar a desarrollar interés por algún instrumentos musical, y en la edad adolescente debemos fomentar la expresión libre, ya sea copiando modelos o creando.
La improvisación está muy ligada a la creatividad, y debemos saber que no todos los niños se expresan de manera fácil. Por ello, si nuestro objetivo es una improvisación con un instrumento, podemos comenzar con ritmos melódicos.
Cuanto mayor es la experiencia, mejor es la improvisación, que en cualquier caso seria valida.
La Historia de la improvisación es muy completa, pero se escapa de la didáctica de la improvisación con alumnos que no cursan una enseñanza musical paralela.
La improvisación puede ser llevada a acabo con libertad, o estar sujeta a normas.
En la improvisación se puede o imitar sonidos determinados, o crear e inventar modelos . Y no solo se improvisa con instrumentos musicales, también con el cuerpo o con diversos objetos. La inspiración puede estar en la música o en los sentimientos (mundo externo e interno)
La didáctica de de la improvisación es mas sencilla en edades mas infantiles, donde el alumno descubre e inventa. Al comiendo de la primaria el niño puede empezar a desarrollar interés por algún instrumentos musical, y en la edad adolescente debemos fomentar la expresión libre, ya sea copiando modelos o creando.
La improvisación está muy ligada a la creatividad, y debemos saber que no todos los niños se expresan de manera fácil. Por ello, si nuestro objetivo es una improvisación con un instrumento, podemos comenzar con ritmos melódicos.
Cuanto mayor es la experiencia, mejor es la improvisación, que en cualquier caso seria valida.
La Historia de la improvisación es muy completa, pero se escapa de la didáctica de la improvisación con alumnos que no cursan una enseñanza musical paralela.
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